Pour #AuxSons, Dubmatix décortique les éléments disparates, qui, mis ensemble, finiront par composer la signature Dub !
1. Quakers - Approach With Caution (Stalag Riddim Remix) ft. Sampa the Great
« Ce qui m’a le plus frappé sur ce titre, c’est la chanteuse Sampa The Great. Cette chanson a été mon introduction à sa musique et à sa voix, et j’ai régulièrement joué sa musique dans mon émission de radio et dans mes playlists personnelles. Ce qui a attiré mon attention, c’est la façon unique dont elle livre ses paroles, le son de sa voix et sa volonté de faire la lumière sur des questions importantes. Et pour couronner le tout, ce riddim est un classique. »
2. Augustus Pablo - King Tubby Meets Rockers Uptown
« C’est l’album « King Tubby meets Rockers Uptown » qui a changé mon univers. Les lignes de basse profondes et le groove syncopé de la batterie avec le style « flying cymbal » ou « flyers » créé par le batteur Santa Davis m’ont captivé et accroché pour la vie. Derrière la musique, j’entendais King Tubby, l’un des pionniers du dub qui a contribué à propulser le genre dans la conscience musicale au niveau mondial. C’est cet album qui m’a donné envie de créer du dub, et des années plus tard, de devenir Dubmatix. »
3. The Specials - Ghost Town
« J’ai découvert ce joyau quelques années après sa sortie, mais là encore, comme tant de grandes chansons, il m’a saisi par le col de la chemise et m’a secoué jusqu’au plus profond de moi-même.
C’est mon meilleur ami qui avait une copie du vinyle 12 pouces et ça ne ressemblait à rien de ce que j’avais entendu auparavant - le groove lent et obsédant de la batterie et de la basse, les voix de fond qui semblaient sortir tout droit du Magicien d’Oz et les voix principales très discrètes. Je l’ai écouté en permanence sur mon walkman, les écouteurs enfoncés dans mon crâne, et je l’ai écouté encore et encore, en appréciant la musique, les arrangements, la production et le mixage. »
4. Led Zeppelin - Good Times Bad Times
« Je fouillais régulièrement dans la collection de disques de mon père et je suis tombé sur cette pochette d’album avec un Zeppelin en flammes. C’était visuellement frappant et je voulais savoir ce qui se cachait derrière cette pochette très cool. Je n’avais jamais entendu parler de Led Zeppelin et je n’étais pas préparé à ce qui allait sortir de mes enceintes. J’ai laissé tomber l’aiguille et j’ai entendu cette bombe de chanson, si déroutante, pleine de puissance brute et d’électricité. Le jeu de batterie de John Bonham époustouflait mon jeune esprit, le travail rapide de la grosse caisse, le son et le travail de la guitare nucléaire de Page, le chant plaintif de Plant, déchirant les dimensions, et la ligne de basse solide comme le roc de John Paul Jones se sont réunis en un instant pour créer un fan à vie. J’ai écouté cet album en boucle pendant des années et, aujourd’hui encore, je peux entendre cette chanson et me souvenir de la sensation que j’ai eue lorsqu’elle a frappé mes oreilles pour la première fois. »
5. Jimi Hendrix Experience - Purple Haze
« La musique est audacieuse - la batterie rock d’inspiration jazz de Mitch Mitchell était musicale et mélodique, ce qui se mariait parfaitement avec le jeu de guitare électrisant de Jimi. C’était le son de sa guitare, le son du mixage, et la puissance que trois musiciens pouvaient créer en une seule unité. En plus de ça, il y avait la voix de Jimi. C’est une voix brute, pas particulièrement mélancolique si on la compare à celle d’Al Greene ou d’Aretha Franklin, mais c’était la SEULE voix qui aurait fonctionné avec sa musique - il utilisait sa voix comme un quatrième instrument tout aussi mélancolique que son jeu de guitare. C’est également l’utilisation d’effets - la pédale wah-wah, le feedback de la guitare, la barre whammy, l’écho/delay et la réverbération - qui a contribué à l’élaboration d’un nouveau son expérimental et avant-gardiste. L’utilisation de ces effets fera partie de l’ADN du dub quelques années plus tard, ce qui explique probablement pourquoi j’ai compris immédiatement la musique dub. »
6. Pachyman - Destroy The Empire
« J’ai découvert la musique de Pachyman au cours de l’année dernière et je suis accro. Il a méticuleusement recréé les sons vintage de la Jamaïque de Kingston des années 70 dans sa musique - l’instrumentation, l’utilisation de l’écho, le verbe, le mixage et les performances, le tout avec ce léger « wobble » savoureux que vous obtiendriez d’une vieille cassette. Quand je regarde ses vidéos, il me rappelle moi quand j’étais jeune, enregistrant et jouant tous les instruments, écrivant la musique, et mixant/dubbing le tout. On peut entendre sa passion pour la musique, les studios légendaires, les ingénieurs du son et les musiciens qui ont placé la musique jamaïcaine sur la carte mondiale.
Il a réussi à obtenir ce son classique et ses chansons ont cette qualité spéciale qui fait désormais partie du catalogue des sorties dub et d’inspiration dub bien conçues. »
7. Bob Marley - Jammin”
« J’ai 11 ans et j’ai entendu tous les types de musique, y compris Bob Marley, dans la maison familiale, mais cette chanson me captive. Le tempo et le rythme de l’interprétation étaient tellement décontractés et funky. »
8. Idles - Well Done
« J’ai écouté beaucoup de musique punk quand j’étais gamin - Sex Pistols, Explloited, Suicidal Tendencies, Dead Kennedys, etc. - mais ça faisait longtemps que je n’avais pas entendu de musique punk qui avait traversé les décennies pour non seulement maintenir l’éthique et l’idéologie originales de ce qu’était et deumeure le punk, mais aussi pour le moderniser sans en perdre l’intensité. C’est exactement ce qu’Idles a fait. C’est le premier morceau que j’ai écouté et il y avait quelque chose qui me poussait à l’écouter encore et encore. La simplicité apparente était un masque pour les complexités et l’attention aux détails que j’ai trouvés dans toute leur musique. Ce qui me frappe, c’est leur utilisation séculaire de la dynamique - des couplets dépouillés, plus calmes, et puis BAM - le marteau tombe pour le refrain de sorte qu’il vous laisse l’anticiper à chaque fois. Le yin et le yang. Vous écoutez et vous attendez jusqu’à ce que vous sentiez le coup partir pour le refrain. Euphorique. »
9. Digable Planets - 9th Wonder (Blackitolism)
« À l’époque de « l’âge d’or » du hip-hop, à la fin des années 80 et au début des années 90, une pléthore de groupes expérimentaient l’incorporation d’échantillons de vinyle et de styles plus profonds : Native Tongues - A Tribe Called Quest, De La Soul, Jungle Brothers aux côtés de Guru, Black Sheep, Public Enemy, Digable Planets et bien d’autres. C’était un moment incroyable dans le temps qui a donné naissance à tant de morceaux classiques et pendant cette période d’expérimentation, les Digable Planets sont passés de leur première sortie en 1993, « Reachin » (« A New Refutation of Time and Space »), un album plus grand public, mais excellent, à « Blow Out Com » en 1994, où l’on voit Digable Planets pivoter musicalement et littérairement - se concentrant sur un son plus sombre et des paroles plus conscientes.
« 9th Wonder » a cette ligne de synthétiseur sale et glauque pour démarrer, suivie d’un groove de batterie décontracté, d’une utilisation judicieuse d’une ligne de basse simple qui descend puis remonte, le tout couronné par les trois MCs qui font monter le groove avec des paroles conscientes. »
10. The Clash - London Calling
« À ce jour, je ne sais pas exactement quand et où j’ai entendu les Clash pour la première fois. C’était peut-être une station de radio locale ou un ami, mais la première chanson des Clash que j’ai entendue était « London Calling ». C’était mon introduction à un groupe qui resterait sur une étagère, comme un trophée dans ma vie, une chanson qui a eu un tel impact sur les gens dans le monde entier, moi y compris, une chanson qui reste un hymne à ce jour et pour un enfant au début de l’adolescence, c’est là que je voulais être - dans le train des Clash, à toute vapeur.
Ce qui me fascinait, c’était la diversité de l’album dans son ensemble, rien n’avait de sens, mais tout avait un sens. Il ne semblait pas y avoir de continuité à mes oreilles au début, mais en continuant à écouter encore et encore, ces chansons et cet album sont devenus partie intégrante de ma conscience.
Vous êtes passé de la chanson politique très chargée « London Calling » à « Brand New Cadillac », une chanson des années 50 remise au goût du jour (ce qui, je suppose, était l’intention), à « Jimmy Jazz », un pseudo-lounge jam, au message très flagrant de « Hateful », et ainsi de suite avec toutes les autres chansons qui composent cet ambitieux double album. »
11. Burning Spear - Marcus Garvey
« J’étais au milieu de l’adolescence et j’étais déjà profondément intéressé par Marley lorsque j’ai découvert Burning Spear. La première fois que j’ai entendu le titre « Marcus Garvey », j’ai été hypnotisé.
Que se passait-il ici ? Quels étaient ces sons qui émanaient de mes enceintes ? Cela ne ressemblait à aucun des albums de Marley que j’avais écouté en boucle. Qu’est-ce qui rendait cet album différent ?
C’est un tas de petites choses qui s’ajoutent à quelque chose de révélateur et d’évocateur - des cuivres qui sont légèrement désaccordés et qui invoquent un ton de deuil, une utilisation subtile de la réverbération plutôt que d’être détrempée, une touche de retard sur les voix sans être flagrante, un message lyrique accompagné d’un rythme militant où la batterie et la basse ne faiblissent pas.
C’est un train de marchandises qui arrive droit sur vous et vous pouvez soit sauter à bord, soit vous écarter. Même en écrivant ces lignes après des années d’écoute, j’ai encore des frissons. »
